*

X

La casa de muñecas: Reflexión sobre la película ‘Soy la cosa bella que vive en esta casa’ (Oz Perkins, 2016)

Arte

Por: Psicanzuelo - 02/05/2018

Un relato gótico intimista contemporáneo

Oz Perkins, hijo del actor fuera de serie Anthony Perkins (Norman Bates de la clásica Psicosis), proviene de un camino actoral, quizás parte de su extensión genética, participando en proyectos interesantes como La secretaria (Steven Shainberg, 2002) o Erosión (Ann Lu, 2005). Lo que llama asombrosamente la atención no es únicamente su talento como director y guionista sino lo arriesgado de sus proyectos, que resultan sumamente logrados para el cine independiente del que es parte. Aunque sólo sean dos películas las que integran dicha filmografía, ya quisieran muchos directores prestigiados tener por lo menos la atmósfera que ha construido en alguna de ellas.

La enviada del mal (Oz Perkins, 2015) planteaba una escuela de internado que resulta una arena metafísica donde se suscitan poderes sobrenaturales en un invierno lleno de nieve, que tratan de absorber la energía vital de un par de señoritas. Kat (Kiernan Shipka) y Rose (Lucy Boynton) misteriosamente se encuentran solas en los largos pasillos y silenciosos salones de su helada preparatoria vacía, las sombras acechan y una misteriosa mujer debe llegar a toda costa con ellas por los difíciles caminos. De una manera u otra no podemos dejar de pensar en Elefante (Gus Van Sant, 2003), que más que retratar el episodio de la balacera de Columbine a cargo de dos adolescentes con acceso a Internet en un país libre de leyes de uso de armas de fuego, se dedicaba a esculpir lo macabro de las instituciones escolares de high school, donde uno era un pez en el agua en un mar de tiburones.  Así recorremos pasillos lúgubres, esperando al mal que puede llegar en cualquier momento, ¿llegará por afuera o por adentro de los personajes?

La enviada del mal abstraía lo gótico de lo cotidiano, gracias a una sinuosa fotografía a color saturada y una banda sonora que desataba escalofríos inmediatos. Llamaba la atención lo bien ejecutadas de sus actuaciones principales, a cargo de dos talentosas adolescentes.

Poco tiempo después aparece en Internet por servicio a demanda Soy la cosa bella que vive en esta casa (Oz Perkins, 2017), otro relato gótico intimista contemporáneo. Nuevamente de forma muy femenina, el director desarrolla más temas que tienen que ver con lo metafísico en lo cotidiano, en lo americano. La joven enfermera Lily (Ruth Wilson) es contratada para cuidar a una prestigiosa escritora de best sellers de areopuerto, Iris Blum (Paula Prentiss), en su casa blanca de dos plantas casi de cuento; ella es mayor y tiene Alzheimer y demencia senil. Desde el inicio Iris llama a Lily con el nombre de Polly, siendo este nombre propiedad de una de sus famosas protagonistas; en otra línea argumental paralela nos vamos enterando de la trama de ese personaje y al mismo tiempo de la oscuridad que puede aguardar a Lily en su destino como Polly.

Los tiempos imaginarios desplegados son arrebatadamente poéticos y estéticamente muy refinados, recuerdan vanguardias cinematográficas de principios del siglo pasado (Leger, Man Ray, Dulac) y al trabajo de danza fílmica surrealista de Maya Deren. La verdad es que el trabajo de montaje es exquisito, planteando varias realidades simultaneas que más que conformar un rompecabezas cuántico, ilustran emociones humanas en un nivel tecnológico, no podemos dejar de pensar en David Lynch y sus conceptos de oscuridad en Carretera perdida (1997), coescrita con Barry Gifford. ¿Qué tan oscuro es lo oscuro?

Pero, sobre todo, encuentro una similitud espeluznante con el trabajo fílmico poco conocido de la escritora Marguerite Duras, (1914–1996), en especial India Song (1975). Con su fotografía de movimientos interminables, con subexposición de ocaso solar, más lunar que solar, implacable noche por día. La cinta se construía sobre el voice over de la misma Duras que nos conectaba con el más allá de una manera indirecta, un poema visual que no tiene principio ni fin. Así, la voz de Lily nos va sumergiendo en el sueño sin fin, en la epidermis de la noche eterna.

La resonancia de la voz del personaje encarnando otros puntos de vista, ¿siendo Polly? va llenando la oscuridad de la pantalla y haciendo que tome vida la famosa Polly, mientras aguardamos lo peor para la protagonista. Pero más allá de un recurso narrativo el recurso es ontológico, y sobre todo un punto de vista que comienza a cambiar hasta liberar a la cinta de cualquier cadena de nuestra conciencia, es un filme limpio de esos que urge ver en estos tiempos, de esos que cada vez son más raros. Enhorabuena estamos ante un creador inusitado que brinda nuevo aliento a este arte a veces tan limitando por lo económico. En su tumba Norman Bates sonríe con los dientes de calaca de su madre, sin la voz en off del detective psiquiatra que explica todo.

 

Twitter del autor: @psicanzuelo

Te podría interesar:

¿Por qué le deberías echar un ojo a ‘Bright’ aunque parezca un churrazo? (y aunque probablemente lo sea)

Arte

Por: Psicanzuelo - 02/05/2018

Bright (David Ayer, 2017) es una cinta irregular pero asombrosamente interesante por varias razones

Hasta ahora la producción más cara de Netflix, de 90 millones de dólares, resulta más que nada arriesgada. Si bien puede reflejar una conjunción de géneros y arquetipos que funcionan en la pantalla digital de manera popular, porque Netflix tiene mil y un maneras de medir estos porcentajes a nivel mundial, el mundo de las fantasías medievales reproduciéndose con las películas policíacas y de acción con aventura, no es en nada común. El resultado es Bright (David Ayer, 2017), una cinta irregular pero asombrosamente interesante por varias razones.

1) Las actuaciones. Algunos no identificables hasta la lista de créditos, por la manera como están caracterizados. Por ejemplo, Noomi Rapace interpreta a una temible villana que hace funcionar el cuento cyber medieval, gloriosos ojos de pistola que matan antes de que lo hagan sus movimientos de cobra vengadora. O el regreso triunfal de Will Smith a las pantallas resulta sorprendente, brinda humor a escenas pasadas de violencia en ocasiones tétricas, perfecta combinación muy al estilo de Los cazafantasmas (Ivan Reitman, 1984), algo parecido a lo que hacía en Hombres de negro (Barry Sonnenfeld, 1997).

2) Los maquillajes. Si eres de los que disfrutaste de niño las escenas con Jabba the Hutt en El retorno del jedi  (Richard Marquand, 1983) y ahora eres chavorruca o ruco que disfrutas películas de Guillermo del Toro que se basan mucho en trabajo de maquillaje, no puedes dejar de verla. ¿Te perderías de orcos que parecen reales, además de guardias Gamorreans actuales?

Un ejercito de maquillistas, entre los que destaca el nombre de Alec Gills (encargado de los orcos), crean una verosimilitud mordaz. 

3) Las escenas de acción. La razón por la que fue contratado el director David Ayer para la gran empresa resulta muy justificada, antes dirigiendo películas emblemáticas en el género de acción ya sea mezclado con policíaco callejero (antecedente de Bright) y cinta de gánsteres, Reyes de la calle (2008), o lo mismo pero súmenle película encontrada de esas en que los personajes se graban a sí mismos, Último turno (2012). O su versión antinarcóticos swat team con Schwarzenegger de protagonista. Acción combinada con película de guerra y drama con Brad Pitt en Corazones de guerra (2014). O acción combinada con película de cómics en la peculiar Escuadrón suicida (2016). Hasta los que no disfrutan mucho de las cintas de acción se darán cuenta de que Ayer se maneja en este género como pez en el agua, y la manera como maneja sus tonos híbridos mucho tiene que ver con su plataforma al estrellato: el guionismo. David Ayer antes que nada escribió guiones para cintas de acción básicas para entender el cine de acción hollywoodense de principios de la década pasada, con títulos como Rápido y furioso (Rob Cohen, Mel City, 2001) Día de entrenamiento (Antoine Fuqua, 2001). Gigantescas explosiones, coreografías excelsas de combates cuerpo a cuerpo y a tiros con pistolas, persecuciones asombrosas en vehículos que vuelan por los aires, etcétera…

4) Mundo bizarro. ¿Te perderías una cinta donde las hadas son tratadas como plagas en los domicilios, y los orcos sufren de racismo viviendo en guetos y portando jerséis deportivos largos con cadenas de oro, los elfos son millonarios y dueños de las empresas importantes y los humanos no tienen más remedio que seguirse reproduciendo para seguir poblando una nueva clase media?  

5) El diseño de producción. Aunque la cinta está llena de violencia extrema, como ya dije antes, suavizada con tremendas actuaciones, el departamento de arte tiene mucho que ver para que funcione esta locura de híbrido creando un mundo casi palpable. Por un lado el apocalipsis que son varios barrios que hay que patrullar, por otro la magia de los elfos con sus arboles de luz y piscinas en edificios de más de una planta, y por otro la sorprendente guarida del clan orco con paredes amenazantemente medievales, por mencionar algunos ambientes.

 

Twitter del autor: @psicanzuelo